Hubo una época en la que lo único que hacía era ver filmes de terror, asi fue que me vi casi todos los films japoneses, coreanos, franceses y norteamericanos que llegaban a mis manos, hasta que me cansé y no toleré mas el rumbo actual que tomó el género.En ese entonces no me ponía a reflexionar lo que ahora reflexiono, simplemente miraba porque bueno... eran entretenidos.
Desde mi perspectiva no eran las matanzas, nunca fueron las matanzas, era el misterio, el suspenso y la incertidumbre de una realidad que se expande mas allá de lo natural, lo que me atraía del género. Cuanto más irreal y artificial mejor, ¿para que quiero la realidad y la verosimilitud en el cine si ya la tengo que soportar todos los días?. (Por eso también soy devota de los Musicales)
Cuando tenia diez o doce años, vi en un canal de cable una entrevista a este tipo que no sabía bien quien era, un tal "Clive Barker", diciendo que en la sociedad moderna, las películas o los relatos de terror funcionaban como los cuentos de hadas en la antiguedad, y sin embargo, si me preguntan no podía entender que tenía que ver Freddy Krueger con un "Hada". A los pocos días después de eso vi "Hellraiser", que me fascinó, pues a diferencia de Freddy, el malo de la película aparecía solo 15 minutos como mucho (hablo de Pinhead y los Cenobitas); pero los verdaderos villanos (como la mayoría de las veces) resultaban ser los humanos.
Varios años después tuve el "placer" de leer una versión medieval de "caperucita roja" y dejenme decirles que nada que ver con lo que nos contaban cuando niños. Si bien algo de crueldad se mantuvo en los cuentos hasta el dia de hoy (Hansel y Gretel efectivamente empujan a una vieja a un caldero hiviendo) nunca más pude ver un cuento infantil con los mismos ojos.
Mas de grande ya sabía quien era Clive Barker y me había deleitado con sus relatos, la mezcla justa entre Lovecraft y el cine (a proposito del cual tiene un cuento muy irónico sobre la industria cinematográfica).Y me dije, y le dije a varios: "Que sensibilidad para el terror". Muchos se rieron de mi pues como alguien puede tener sensibilidad para algo que bueno, dista de ser sensible.
Gracias a Barker pude darme cuenta que todas las películas de terror que resultan ser mis favoritas parten de un mito primario: la madurez, o el paso de ser un niño a un adulto y como sabemos eso es algo terrorífico, pero siempre, el villano surge en respuesta a una norma moral que se trasngrede (nunca tan grande como el castigo que recibirá por parte del villano) y es necesario matar al transgresor en todas las formas y maneras posibles para reestablecer el orden social.
Jack no queria ocuparse de su hijo ni de su mujer o afrontar su alcoholismo y por eso terminó como terminó. La inocente perseguida por la bestia siempre sube las escaleras y vive por lo menos, el tiempo que le dura su virtud. La prostituta siempre muere en alguna escena y Freddy siempre vuelve para ajusticiar a adolescentes cachondos. La caja rompecabezas encuentra una manera de abrirse para arrastrar a los malos al infierno y finalmente si cuidas mal a los chicos por los que te pagan cuidate, porque viene Mike Myers y te mata.
Asi que evidentemente si existe una sensibilidad para el terror, algunos directores la tienen, otros no. Pero por sobre todas las cosas existe toda una "moraleja" sobre cual es la norma o forma de vida que se transgrede y que habla mucho de la sociedad en la que fue concebida la obra, como dicen por allí un artista es aquel que se vale de mentiras para dar cuenta de la verdad , y paralelo a la historia del cine mainstream existe todo ese recorrido histórico que se podría hacer a travez de los films clase b, desde las Explotation movies, hasta el terror; pasando por el Sci fi y el gore pues nuestra cara del cine más oscura revela muchas mas cosas de nosotros como sociedad que nosotros mismos.
No puedo nombrar todos pero entre mis favoritos (los cuatro primeros en orden de favoritismo):
The shining, the night of the living dead, Profondo Rosso, Hellraiser, Vragtimen, People under the stairs, The Hunger, In the company of wolfs, Freaks, Mimic, The Nigthmare on Elm street, Let The Right one in, y me detengo porque sino nombro a todos. "It" merece mención honorífica pero solo me gusta la primer parte, y se trata de un film para la TV.
Supongo que desde el film numero 70 al 100 voy a tener tiempo de encontrar un par de favoritas más...
Un poco de polémica
Buscando imágenes de Anna Karina encontré esta nota en un Blog de Clarin que se basa en opinar sobre otras notas asi que pensé si me baso en el para dar mi opinión le voy a aportar otra vuelta de tuerca. La nota se titula: Cine de "Autor"
Lo cierto es que fue a partir de los sesenta con Bazin y Cahiers du cinema que se comenzó a popularizar el analisis del cine en relación a las características estilisticas de sus directores. Ellos decian "Si un Shakespeare es un Shakespeare, y un Picasso es un Picasso por qué no un Hitchcock no va a ser un Hitchcock"
El cine es un medio artístico y una industria por lo que el cine es arte y entretenimiento. El teatro era ambulante y circence en la edad media, y no por eso se lo menosprecia de su lugar de arte. Los intentos de la vanguardia, no se afianzaron como movimientos para marcar tendencias en la historia del cine comparables a la de la Nouvelle Vage, quedaron en experimentos y sirvieron como influencia lejana de lo que podría ser. Uno ve en el Expresionismo Alemán al abuelo del cine de terror y ciencia ficción pero ellos no se plantearon así. La Nouvelle vage si se planteó cambiar el concepto del cine.
En otras palabras es una cuestión semiotica: autores siempre existieron, sólo que el eje estaba puesto en las productoras, y el sistema. Los sesenta no inventaron a los autores, los sesenta cambiaron el modo de ver las cosas. Si para vos todo lo anterior a la Nouvelle Vage no es cine de autor, entonces alguien necesita re-leer los cahiers du cinéma, para saber cual era el cine que defendían.
Siempre cuesta mas analizar desde la inmediatez, pues desde la inmediatez, un Picasso, un Van Gogh, resultaban horrorosos, fue el paso del tiempo el que permitió apreciarlos como tales. Lo mismo se puede decir de la labor de la Nouvelle: ellos retomaban films olvidados, o que habían convertidose en "fracasos" (de taquilla) para re-veerlos y re- valorizarlos como obras de arte y cine de autor.
Lo más impresionante de Cahiers du cinema es que supieron también criticar su inmediatez, mas allá de la Nouvelle; Truffaut vio un autor en Spielberg y por eso participó como actor en "Encuentros cercanos del tercer tipo" y sin embargo Godard piensa que esresponsable de arruinar el cine.
Lo cierto es que años sesenta o no años sesenta, el público prefiere ir a entretenerse, nadie correrá a una sala a ver la última de Resnais a menos que tenga la cultura suficiente como para saber quien era. Pero todos irán corriendo a ver los ultimos espejos de colores que Hollywood les quiere vender, ahora en 3D.
Con la post-modernidad, no hay un después, un principio, un final, períodos que empiezan o terminan, hay un mientras tanto poblado de tendencias que conviven entre sí: los autores conviven con el sistema, el cine con la tv, y el arte con youtube. No hay un camino, hay mil y todos son igual de válidos. Nada mas ni nada menos.
Por su parte, Jorge Carnevale comienza su columna de esta semana de la edición impresa de Ñ con la siguiente idea: “Hasta los años 60, la gente iba al cine a entretenerse, a pasarlo bien. (…) Después llegó el cine de autor y se complicó todo. Irrumpió el cine de arte y ensayo, de ‘expresión’”. He aquí una gran verdad: no me refiero a lo de “se complicó todo”, ni a la datación utilizada, ni a la velada inferencia de que no se va al cine hoy a “pasarla bien”, sino a estas seis palabras: “después llegó el cine de autor”. Es decir, antes no había cine de autor. Sólo retrospectivamente, David Wark Griffith fue considerado un “autor”, en el sentido de lo que entendemos hoy por esa palabra. Lo mismo vale para los Lumière o para Georges Méliès.Hablá con propiedad "Fernando Bruno": los autores existían, siempre existieron. ¿Griffith? Einsestein, Hitchock, Wells, De Mille, Jean Renoir ¿eran extraterrestres? Todos ellos existieron antes de la Nouvelle Vage; lo cierto que el público que iba al cine iba a ver la "ultima de Hitchcock". Entretenimiento y arte es una discusión interminable que no viene al caso de "cine de Autor o no cine de Autor", uno puede entretenerse con un film de De Sica y sin embargo De Sica era un autor.
Lo cierto es que fue a partir de los sesenta con Bazin y Cahiers du cinema que se comenzó a popularizar el analisis del cine en relación a las características estilisticas de sus directores. Ellos decian "Si un Shakespeare es un Shakespeare, y un Picasso es un Picasso por qué no un Hitchcock no va a ser un Hitchcock"
Sin dudas, el cine es más heredero de las ferias y los espectáculos circenses que del arte tal como se lo conocía a finales del siglo XIX. Tuvo sí, un período que se podría denominar “artístico”, cuyo origen podría ubicarse en las apropiaciones y manipulaciones surrealistas de la imagen cinematográfica y, prácticamente en paralelo, en los films del ciclo expresionista de Murnau y Lang, y el Caligari de Wiene, por supuesto. No estoy para nada convencido que estas dos tendencias constituyan un núcleo común con el “cine de autor” de los sesenta, pero sí de que en conjunto dan cuenta, al menos tangencialmente, de un intento por tratar al cine como un “arte”.
El cine es un medio artístico y una industria por lo que el cine es arte y entretenimiento. El teatro era ambulante y circence en la edad media, y no por eso se lo menosprecia de su lugar de arte. Los intentos de la vanguardia, no se afianzaron como movimientos para marcar tendencias en la historia del cine comparables a la de la Nouvelle Vage, quedaron en experimentos y sirvieron como influencia lejana de lo que podría ser. Uno ve en el Expresionismo Alemán al abuelo del cine de terror y ciencia ficción pero ellos no se plantearon así. La Nouvelle vage si se planteó cambiar el concepto del cine.
En otras palabras es una cuestión semiotica: autores siempre existieron, sólo que el eje estaba puesto en las productoras, y el sistema. Los sesenta no inventaron a los autores, los sesenta cambiaron el modo de ver las cosas. Si para vos todo lo anterior a la Nouvelle Vage no es cine de autor, entonces alguien necesita re-leer los cahiers du cinéma, para saber cual era el cine que defendían.
En realidad, en todas las disciplinas artísticas el ciclo “de autor” “llega después”. Pensemos si no en los orígenes de la pintura, la música, la poesía, e incluso la fotografía, completamente ajenos a la idea de "autor". Queda por discernir entonces, si tanto para las artes plásticas como para el cine es ése en la actualidad un período terminado o no.
Siempre cuesta mas analizar desde la inmediatez, pues desde la inmediatez, un Picasso, un Van Gogh, resultaban horrorosos, fue el paso del tiempo el que permitió apreciarlos como tales. Lo mismo se puede decir de la labor de la Nouvelle: ellos retomaban films olvidados, o que habían convertidose en "fracasos" (de taquilla) para re-veerlos y re- valorizarlos como obras de arte y cine de autor.
Lo más impresionante de Cahiers du cinema es que supieron también criticar su inmediatez, mas allá de la Nouvelle; Truffaut vio un autor en Spielberg y por eso participó como actor en "Encuentros cercanos del tercer tipo" y sin embargo Godard piensa que esresponsable de arruinar el cine.
Lo cierto es que años sesenta o no años sesenta, el público prefiere ir a entretenerse, nadie correrá a una sala a ver la última de Resnais a menos que tenga la cultura suficiente como para saber quien era. Pero todos irán corriendo a ver los ultimos espejos de colores que Hollywood les quiere vender, ahora en 3D.
Con la post-modernidad, no hay un después, un principio, un final, períodos que empiezan o terminan, hay un mientras tanto poblado de tendencias que conviven entre sí: los autores conviven con el sistema, el cine con la tv, y el arte con youtube. No hay un camino, hay mil y todos son igual de válidos. Nada mas ni nada menos.
Movie # 69 Vivre sa vie: Film en douze tableaux (1962)
"un hombre es un hombre, y la vida es la vida" y esta película es otra película pero debo decir que no la mejor para ver si una le tiene poca fe al sexo opuesto. Pensar que todavía no me había recuperado del final de Sin aliento y ahora tengo que recuperarme del final de Vivir su vida. La verdad que lo único en que no dejo de pensar es que todos los hombres apestan, sobre todo si son proxenetas. Finales como estos son lo que me hacen dar gracias de que existan trabajadoras independientes.
Ahora dejando las ironias de lado, y hablando en serio. Godard es Godard; y Vivre sa vie es un drama de aquellos. La gente piensa, cuando trata de aproximarse al cine francés en la pretensión y el existencialimo; y en realidad estoy segura que eso se refiere en gran parte a Godard.
Godard no es pretencioso, Godard es inteligente, expone en sus films sus ideas de forma magistral, y sin restarle esfuerzo a la audiencia que se queda afuera de las cosas. El problema de Godard es que no disimula lo inteligente que es, y eso se confunde con pretensión. No creo que dijera: "pongamos a este tipo leyendo asi soy mas arty, y lleno casi cinco minutos de film", creo que pone en su cine aquello que quiere ver él, sobre todo lo valora como medio educativo o didáctico. No importa si no sabes de una que lo que esta leyendo el joven en pantalla es "El retrato oval" de Poe, pero sin embargo, a alguien sí le va a importar y lo va a registrar en su memoría, y tal vez movido por la curiosidad o por la profundidad de las palabras busque el relato para leerlo.
Vivre sa vie tiene los díalogos existencialistas de los que carecía "Une famme est une famme", y también carece del color; supongo porque sabe que sólo haría mas linda una historia verdaderamente triste. Minimalista es una de las palabras que vienen a mi mente cuando pienso en este film. ¿a donde minimalista? se preguntarán ustedes, y yo diré en los planos, en las puestas en escena, las actuaciones y la musicalización. Este, nos cuenta la historia de Nana (Anna Karina) una joven que deja todo para irse a París y ser una estrella de cine pero termina prostituyéndose por necesidad, y como su título lo cuenta esta dividida en doce episodios, como si de una mártir se tratase.
Godard tuvo su temporada "Dreyer" cuando escribió y concibió este film (supongo). Por eso se encarga de citarlo en una de las dos mejores escenas (porque se trata de el cine, hablando y mostrando cine) dramáticas de la historia: Nana, mirando Juana de Arco de Dreyer en la escena cuando ella se entera de su ejecución. Debo admitir que se me caían las lágrimas de ver como a Juana de arco y Nana se le caían las lagrimas, al contemplar como el peso de la historia del cine y la historia en general caen sobre uno cuando mira un film así.
y por último, lejos de ser un chiste, un fragmento del film: una prostituta y un filósofo se encuentran en un bar, la prostituta le pregunta:
¿No debería ser el amor lo único verdadero?
El filósofo responde:
Sí, pero sería necesario que el amor fuese siempre verdadero.¿Conoce a alguien que sepa inmediatamente lo que ama? No. Cuando se tienen veinte años no se sabe lo que se quiere .Se saben migajas, se agarra uno a su experiencia, se dice: "Me gusta esto".
A menudo se mezcla, pero para constituirse con sólo lo que a uno le gusta, hace falta la madurez. Es precisa la búsqueda. Esa es la verdad de la vida. Por eso el amor es una solución, con la condición de que sea verdadero.
Y yo pienso: "que genio este Jean Luc."
Esto es todo por hoy amantes del septimo arte!
Ahora dejando las ironias de lado, y hablando en serio. Godard es Godard; y Vivre sa vie es un drama de aquellos. La gente piensa, cuando trata de aproximarse al cine francés en la pretensión y el existencialimo; y en realidad estoy segura que eso se refiere en gran parte a Godard.
Godard no es pretencioso, Godard es inteligente, expone en sus films sus ideas de forma magistral, y sin restarle esfuerzo a la audiencia que se queda afuera de las cosas. El problema de Godard es que no disimula lo inteligente que es, y eso se confunde con pretensión. No creo que dijera: "pongamos a este tipo leyendo asi soy mas arty, y lleno casi cinco minutos de film", creo que pone en su cine aquello que quiere ver él, sobre todo lo valora como medio educativo o didáctico. No importa si no sabes de una que lo que esta leyendo el joven en pantalla es "El retrato oval" de Poe, pero sin embargo, a alguien sí le va a importar y lo va a registrar en su memoría, y tal vez movido por la curiosidad o por la profundidad de las palabras busque el relato para leerlo.
Vivre sa vie tiene los díalogos existencialistas de los que carecía "Une famme est une famme", y también carece del color; supongo porque sabe que sólo haría mas linda una historia verdaderamente triste. Minimalista es una de las palabras que vienen a mi mente cuando pienso en este film. ¿a donde minimalista? se preguntarán ustedes, y yo diré en los planos, en las puestas en escena, las actuaciones y la musicalización. Este, nos cuenta la historia de Nana (Anna Karina) una joven que deja todo para irse a París y ser una estrella de cine pero termina prostituyéndose por necesidad, y como su título lo cuenta esta dividida en doce episodios, como si de una mártir se tratase.
Godard tuvo su temporada "Dreyer" cuando escribió y concibió este film (supongo). Por eso se encarga de citarlo en una de las dos mejores escenas (porque se trata de el cine, hablando y mostrando cine) dramáticas de la historia: Nana, mirando Juana de Arco de Dreyer en la escena cuando ella se entera de su ejecución. Debo admitir que se me caían las lágrimas de ver como a Juana de arco y Nana se le caían las lagrimas, al contemplar como el peso de la historia del cine y la historia en general caen sobre uno cuando mira un film así.y por último, lejos de ser un chiste, un fragmento del film: una prostituta y un filósofo se encuentran en un bar, la prostituta le pregunta:
¿No debería ser el amor lo único verdadero?
El filósofo responde:
Sí, pero sería necesario que el amor fuese siempre verdadero.¿Conoce a alguien que sepa inmediatamente lo que ama? No. Cuando se tienen veinte años no se sabe lo que se quiere .Se saben migajas, se agarra uno a su experiencia, se dice: "Me gusta esto".
A menudo se mezcla, pero para constituirse con sólo lo que a uno le gusta, hace falta la madurez. Es precisa la búsqueda. Esa es la verdad de la vida. Por eso el amor es una solución, con la condición de que sea verdadero.
Y yo pienso: "que genio este Jean Luc."
Esto es todo por hoy amantes del septimo arte!
Speak of the devil...
"Speak of the devil and he doth appear" dice el refrán inglés y a propósito del diablo, antes de que sepa que estás muerto, de almas torturadas, mutiladas y otras atrocidades varias; febrero es el mes del terror (y no me refiero sólo porque es el mes de san valentin) me refiero a que todo este mes retomaré un género al que tenia abandonado: El cine de Terror y fantástico; asi es: Gore, bizarro, clase B, terror clásico, contemporáneo, japonés, coreano, y por que no Argentino también. Nada mejor para combatir el calor y la alegria del verano con muchos sustos y terror.
Así es, febrero será My Own Private Horror-Fest, para ponerme al dia con Argento, Romero, Clive Barker y un par que andan rondando por ahí. Por otra parte, como tengo tanto terror encima (cuak) es más probable que tambien tenga menciones de films que ya vi pero que igualmente no puedo dejar pasar.Comenzaré este mes poniendome al día con una de mis sagas favoritas que nunca terminé de ver, si hablamos de infierno, almas torturadas y si le sumamos un cubo Rubick infernal ¿que tenemos? si, Hellraiser.
Veré de la 5ta en adelante que son las que me faltan.
Nos vemos en febrero!
Movie # 68 Before the devil knows you`re dead (2007)
La frase "lazos de sangre", de pronto adquiere un significado más que literal con este film de Sidney Lumet.No soy adepta del trabajo del director, pero soy partidaria de que una estructura de tiempo alternada, siempre deja mejor parado a un film que una historia lineal; El ciudadano, Elephant, o Reservoir Dogs no hubieran sido lo mismo sin sus tiempos alternados e intrincados; este film tampoco.
Estaba más que interesada de verlo por el gran reparto que contiene y que sabía no me defraudaría: Albert Finney, Philip Seymour Hoffman (un monstruo) Ethan Hawke un buen actor, al que la industria no le hace ningún favor, pero que siempre se luce en sus interpretaciones. Y Marisa Tomei que siempre vale la pena nombrarla porque sus escenas subidas de tono, sus femme fatales y los problemas que suele sumarle a los hombres en filmes dramáticos e independientes, suelen ser su marca personal.
Es una TRAGEDIA con letras mayúsculas por donde se la mire; en el sentido griego de la palabra: un “heroe” ( que si sabemos se trata de Philip-Seymour se lo puede llamar anti- heroe) que junta errores, tras errores y sufre las consecuencias de sus actos. El trabajo sonoro, la estructura temporal y los bruscos saltos de tiempo, la puesta en escena y la dirección de los actores ayudan tanto a una trama bastante simple, disfrazada de compleja, dejando al espectador perplejo ante la magnitud de la violencia del final. (que como verán no es mi intención arruinar).
El film es una espiral de decadencia y destrucción que hace recordar el título del film de Buñuel y pensar en “el discreto encanto de la burguesía” y todo lo que puede ser capaz de hacer alguien, por mantener las apariencias y para no ser considerado un “Loser”.
Con este film me acordé de Haneke, de Cronenberg, de Noé y de sus recorridos por la violencia en la vida y las falsas apariencias de alguien que se escuda bajo un rol determinado en una sociedad. (Un poco más y hasta me acuerdo de mi madre también) . Y es que al final del film, uno no deja de preguntarse ¿Qué pudo haber sido lo que resultó tan mal entre el personaje de Philip y su padre o en esa familia en general? Y que para vidas como esas, el infierno no es un lugar caluroso a muchos km cuando uno se muere; el infierno es aquí, ahora y se llama familia.
Eso es todo por hoy amantes del Septimo arte!
Movie # 67 Phoebe in wonderland (2008)
Wonderland es una tierra que geográficamente limita al norte con Neverland, y al sur con Oz. Cerca de Narnia y la Tierra Media.Lo cierto es que Alicia y su país de las maravilllas han tenido miles de adaptaciones y citas desde Disney hasta Matrix, pasando por el animé, y los videoclip de artistas pop. Esta es una versión mas inspirada por esa enigmática obra escrita por un tipo tan enigmatico que a parte de sacerdote era matemático.
Si de algo me arrepiento es de no haber leido nunca la novela de Lewis Carol. Cuando era chica, Alicia en el país de las maravillas fue la primera película de Disney que ví y enseguida me fascinó. Lo peor de todo que ello me llevó a ver Fantasía (que me encantó) y todo el universo Disney pero cuando el viejo vivía, y estaba con ganas de ponerse Surrealista.
101 Dálmatas porque representa el cambio en materia de villanos, no mas reyes, reinas, o brujas malvadas; los villanos son ahora la gente de los bajos fondos y los integrantes de la High Society. 101 Dálmatas es Cruella De vil, y es a mi parecer el cenit en materia de diseño estilizado y moderno. El estilo del dibujo, las líneas, todo es perfecto en el diseño de ese film. Tan perfecto que lo considero un responsable directo del estilo de animación retro- toon que se observa en tantos dibujos de la actualidad como Billy y Mandy; Los Padrinos Mágicos, y cualquiera de la grilla de Cartoon Network.Lo anterior viene a propósito de que uno cuando habla de Alicia, habla de todo esto: de Disney, de Lewis y todas las versiones que andan rondando de personajes llamados Alice, incluso el de Milla en Resident Evil, si uno lo quiere.
Phoebe in Wonderland es hermosa, me fascinó, el trabajo en la dirección de los actores, en especial los niños, y sobre todo Phoebe, es maravilloso.Phoebe, interpretada por Elle Faning (si la hermana bella de Dakota, porque ahora como nos cansamos de Dakota, que ya con 16 esta próxima a jubilarse, la cambiamos por la hermanita de 12 años), es una nena de 9 años con algunos problemas mentales: un trastorno obsesivo compulsivo por Alicia y sobre todo Wonderland; asi como alucinaciones, tics nerviosos, intentos suicidas, y una gran falta de interés en el mundo real.
Todo parece Eclosionar y potenciarse, cuando la pequeña Phoebe conoce a su nueva maestra de arte dramático: Patricia Clarkson (reitero lo que dije con Lars and the real girl: Patricia Clarkson es una genia.), que casualmente monta una puesta en escena de Alice in Wonderland.
Es una excelente comedia dramática, con personajes pintorescos, y actuaciones brillantes por donde se las mire: el amigo gay de Phoebe, la madre de Phoebe, una más que excelente Felicity Huffman (que ya se ganó el título de madre sufriente por culpa de sus hijos) ; Bill Pullman como el padre que no sabe que hacer con su hija, y la hermanita menor de Phoebe, comunista, vegetariana y combatiene por los derechos de los animales a los 6 años de edad.
Una de esas pequeñas historias que si te llegan al alma y hacer ver odiosa a una película como "Little miss sunshine", una lastima que haya pasado tan desapercibida.
Eso es todo por hoy amantes del septimo arte!
PD: De paso aprovecho y leo el libro de Carol para irme preparando cuando en Marzo se estrene la Alice de Tim (todas las fichas con vos Tim!)
Movie # 66 High society (1956)
No me llevo demasiado darme cuenta que existía una remake en nota musical de "The philadelphia story", que se llama High society, y que la tenía en mi dvdteca y nunca la habia visto completa (salvo los primeros diez minutos)
Pensaba que habia sido muy dura con la crítica a la película de George, después de todo el no tiene la culpa que a su vez todo se base en una obra de teatro, de título homónimo.Pero al ver que no había mal interpretrado la cuestiñon moral de los personajes, me sentí mejor con migo misma por haber sido tan dura con el film en cuestión.
A ver, Grace Kelly es una princesa, lo que a la Hepburn le sobra de verborragica, y extrovertida, Grace lo tiene de refinada y dulce.
De hecho todo el film es mas "dulce", incluso el ladino marido no es tan ladino y esta interpretado por Bing Crosby, una siente que todavía la ama y la quiere recuperar, no como el otro que solo busca vengarse. De hecho lo que a la Hepburn y a Stewart les sobraba de química, a Grace Kelly y Frank Sinatra les falta; por lo que una nunca siente que debería huir con Mike, sino que debe reconciliarse con el ex.
Lo que al film de Cukor le sobra de diálogos ironicos este lo tiene en canciones de Cole Porter, y lo que es mejor, tiene a Louis Armstrong y su orquesta en varios momentos, asi que efectivamente es una versión Light, refinada, (por lo menos no era ni borracho ni golpeador el ex marido este) y alegre pero, claro, la protagonista termina perdonando a todos por sus errores y corre a casarse con Bing Crosby; lo cierto es que de alguien como Grace, uno no se asombra tanto de que se case con el ex y renuncie a sus principios, Grace es Grace y la Hepburn es la Hepburn. La Hepburn tiene caracter y Grace a su lado es sólo una cara bonita.
El único que sigue estando demas, dieciséis años después, sigue siendo el padre de Tracy Lord. ¿Alguien me puede justificar como un padre intenta echar la culpa de sus conquistas al hecho de tener una hija poco amable y cariñosa? ¿Hay algun complejo de edipo que me estoy perdiendo? ¿y la madre en ese papel pasivo y desesperante al contestarle a Tracy, "son cosas que solo conciernen a tu padre"? Ni Freud puede con los trastornos de esa familia diria yo.
Eso es todo por hoy amantes del septimo arte!
Pensaba que habia sido muy dura con la crítica a la película de George, después de todo el no tiene la culpa que a su vez todo se base en una obra de teatro, de título homónimo.Pero al ver que no había mal interpretrado la cuestiñon moral de los personajes, me sentí mejor con migo misma por haber sido tan dura con el film en cuestión.
A ver, Grace Kelly es una princesa, lo que a la Hepburn le sobra de verborragica, y extrovertida, Grace lo tiene de refinada y dulce.
De hecho todo el film es mas "dulce", incluso el ladino marido no es tan ladino y esta interpretado por Bing Crosby, una siente que todavía la ama y la quiere recuperar, no como el otro que solo busca vengarse. De hecho lo que a la Hepburn y a Stewart les sobraba de química, a Grace Kelly y Frank Sinatra les falta; por lo que una nunca siente que debería huir con Mike, sino que debe reconciliarse con el ex.
Lo que al film de Cukor le sobra de diálogos ironicos este lo tiene en canciones de Cole Porter, y lo que es mejor, tiene a Louis Armstrong y su orquesta en varios momentos, asi que efectivamente es una versión Light, refinada, (por lo menos no era ni borracho ni golpeador el ex marido este) y alegre pero, claro, la protagonista termina perdonando a todos por sus errores y corre a casarse con Bing Crosby; lo cierto es que de alguien como Grace, uno no se asombra tanto de que se case con el ex y renuncie a sus principios, Grace es Grace y la Hepburn es la Hepburn. La Hepburn tiene caracter y Grace a su lado es sólo una cara bonita.
El único que sigue estando demas, dieciséis años después, sigue siendo el padre de Tracy Lord. ¿Alguien me puede justificar como un padre intenta echar la culpa de sus conquistas al hecho de tener una hija poco amable y cariñosa? ¿Hay algun complejo de edipo que me estoy perdiendo? ¿y la madre en ese papel pasivo y desesperante al contestarle a Tracy, "son cosas que solo conciernen a tu padre"? Ni Freud puede con los trastornos de esa familia diria yo.
Eso es todo por hoy amantes del septimo arte!
Movie # 64 y 65 Cary Grant X2: Walk, Dont run (1966) , The Philadelphia Story (1940)
Supongo que esto es una consecuencia directa de la maratón de Gene Kelly y es que me sentía con el deber de atender un poco la filmografía de mi otro “classic Hollywood Sweetheart”
El Sr. Cary Grant. Que puedo decir, soy una chica de gustos simples, Gene en musicales, Cary de lo que venga, y Marlon actor de carácter, en lo que respecta al cine clásico.
Walk, Don´t run:
La última película de un Cary Grant ya bastante entrado en años que si bien hace su papel del estilo que lo caracteriza, por obvias razones, él no es el encargado de seducir y quedarse con la protagonista femenina en cuestión. El cumple el papel de casamentero de la Pelliroja y pacata protagonista con nuestro tontuelo pero adorable deportista que tiene lo que a Cary le faltaba a estas alturas: juventud. Pero eso es todo, pues por más que en el film se esfuercen en remarcar que el deportista le recuerda a él pero joven, déjenme que les diga que no se parece en nada al Sr. Grant de joven, ni actúa como él por aquellos años.
Llamada por estos lugares como “Departamento para tres” es una típica comedia de enredos con la originalidad de estar ambientada en Japón (filmada en locación) durante las olimpiadas de 1966. En ella se nos cuenta la historia de cómo estos tres personajes dispares terminan compartiendo un pequeño departamento en Tokio por un par de días.
Pequeña, ligera y entretenida aunque me hubiese gustado que el Sr. Grant terminara su carrera con el film “Charada” que es mi favorito de Audrey Hepburn. Mis preferidos del Sr. Grant son“To catch a thief” y “An Affair to remember” .
Al igual que me ocurre con Gene cada film nuevo (para mi) que veo de Cary Grant se que me va a gustar, al menos eso creía hasta que vi “The Philadelphia Story”, y acá es donde el post se va a poner controvertido.
“The Philadelphia Story”
Ok; dirigido por el creo ya nombrado en varias ocasiones George Cukor, (Camille, A star is born, My fair lady) y si a eso le sumamos los nombres de Katharine Hepburn, James Stweart, y por supuesto Cary Grant uno supone, bueno, que al menos Katharine y Cary van a tener la misma química que tuvieron en el film Bringing Up Baby. Pero no se por donde empezar a explicar todo lo que me resultó odioso en este film.
Como siempre Katharine es una mujer fuerte, de alta sociedad, llamada Tracy lord (Casi como el de la pornstar) con una moral (casi) intachable pues la descocada se escapó y se “casó”, con Cary Grant. De hecho nunca se aclara si efectivamente se casó por civil o si sólo se escapó, pues al final del film el dice algo como “tengamos la boda que te debía hace dos años”. Lo cierto que ya desde el comienzo la película me molestó, ella lo manda a volar haciendo una gran escena y Cary Grant le pega un manotazo en la cara y la tira al piso. El Cary Grant que yo admiro nunca le pondría una mano encima a ninguna mujer para agredirla, Scewball comedie, o no. ¡A Brando se lo permito a Cary no!
Ok, me dije “dejo pasar este detalle por alto, no juzguemos el film por una sola escena”, la próxima ves confiaré mas en mis instintos. Resultó ser un film de lo más machista, moralmente idiota, al que los años sin duda ayudaron a hacerlo parecer más viejo y retrógrada de lo que es.
Como dije no se por donde empezar, La Hepburn, una genia, que demuestra lo fuerte y lo grandiosa que puede ser en pantalla. Es lamentable que una mujer que luchó tanto para llevar este proyecto a cabo, pues el estudio la consideraba que espantaba a las grandes audiencias ya que ninguno de sus films era éxito de taquilla; se haya recuperado con un film que en realidad la deja tan mal parada. Una mina fuerte que termina dejándose poner en ridículo por un par de hombres que no valen la pena (como su padre y su ex marido) para terminar cambiando su alta moral por una sortija en el dedo.
Lo cierto, lo que mas bronca me da de todo es que; Tracy Lord, manda a volar a su primer marido (Cary Grant) por alcohólico y por haberla agredido; Tracy, también es inflexible con su padre que se la pasa matando el tiempo con jóvenes bailarinas de revista, mientras su madre se queda en el hogar. Lo peor es que todavía los caraduras tienen el descaro de recriminarle que ella es la que se hace la princesa y que es una hipócrita porque es demasiado perfecta para tolerar sus fallas (las de ellos).
El remedio a todo esto según el ex marido machista es exponerla y ponerla en ridículo contratando unos periodistas, molestarla durante los preparativos para su segunda e inminente boda y vengarse por haberlo echado como le echó.
Lo cierto es que no quería que regresara con tan odioso ex marido, Mike, el periodista, es el único hombre de todos los allí estúpidamente representados que tiene ángel. James Stewart ve a Tracy por lo que es (una vez que lucha contra su prejuicio ante los ricos) al ver lo vapuleada que es por su ladino Ex marido y padre. El la ve como alguien con fortaleza de espíritu e independiente, condenada a soportar las tramoyas de los hombres de su clase.
La mejor escena del film es cualquiera en donde James Stweart y Catherine comparten la pantalla; sobre todo cuando el la carga en brazos luego de una borrachera, con ambos cantando “over the rainbow” a grito pelado.
Lo cierto que ni los diálogos irónicos (algunos brillantes, otros desastrosos) ni el arte ni la fotografía son suficientes para restar lo odioso de la moral del film. No se si tuve un mal día o sentí pena por Tracy, ya que la única manera que encontró para “madurar” fue renunciar a sus principios y casarse con su primer y vengativo marido. No a Cary Grant como ex marido ladino, si a James Stewart. (en la foto Mike y Tracy o James y Kathy como más les guste)
Esto es todo por hoy amantes del septimo arte!
El Sr. Cary Grant. Que puedo decir, soy una chica de gustos simples, Gene en musicales, Cary de lo que venga, y Marlon actor de carácter, en lo que respecta al cine clásico.
Walk, Don´t run:
La última película de un Cary Grant ya bastante entrado en años que si bien hace su papel del estilo que lo caracteriza, por obvias razones, él no es el encargado de seducir y quedarse con la protagonista femenina en cuestión. El cumple el papel de casamentero de la Pelliroja y pacata protagonista con nuestro tontuelo pero adorable deportista que tiene lo que a Cary le faltaba a estas alturas: juventud. Pero eso es todo, pues por más que en el film se esfuercen en remarcar que el deportista le recuerda a él pero joven, déjenme que les diga que no se parece en nada al Sr. Grant de joven, ni actúa como él por aquellos años.
Pequeña, ligera y entretenida aunque me hubiese gustado que el Sr. Grant terminara su carrera con el film “Charada” que es mi favorito de Audrey Hepburn. Mis preferidos del Sr. Grant son“To catch a thief” y “An Affair to remember” .
Al igual que me ocurre con Gene cada film nuevo (para mi) que veo de Cary Grant se que me va a gustar, al menos eso creía hasta que vi “The Philadelphia Story”, y acá es donde el post se va a poner controvertido.
“The Philadelphia Story”
Ok; dirigido por el creo ya nombrado en varias ocasiones George Cukor, (Camille, A star is born, My fair lady) y si a eso le sumamos los nombres de Katharine Hepburn, James Stweart, y por supuesto Cary Grant uno supone, bueno, que al menos Katharine y Cary van a tener la misma química que tuvieron en el film Bringing Up Baby. Pero no se por donde empezar a explicar todo lo que me resultó odioso en este film.
Como siempre Katharine es una mujer fuerte, de alta sociedad, llamada Tracy lord (Casi como el de la pornstar) con una moral (casi) intachable pues la descocada se escapó y se “casó”, con Cary Grant. De hecho nunca se aclara si efectivamente se casó por civil o si sólo se escapó, pues al final del film el dice algo como “tengamos la boda que te debía hace dos años”. Lo cierto que ya desde el comienzo la película me molestó, ella lo manda a volar haciendo una gran escena y Cary Grant le pega un manotazo en la cara y la tira al piso. El Cary Grant que yo admiro nunca le pondría una mano encima a ninguna mujer para agredirla, Scewball comedie, o no. ¡A Brando se lo permito a Cary no!
Ok, me dije “dejo pasar este detalle por alto, no juzguemos el film por una sola escena”, la próxima ves confiaré mas en mis instintos. Resultó ser un film de lo más machista, moralmente idiota, al que los años sin duda ayudaron a hacerlo parecer más viejo y retrógrada de lo que es.
Como dije no se por donde empezar, La Hepburn, una genia, que demuestra lo fuerte y lo grandiosa que puede ser en pantalla. Es lamentable que una mujer que luchó tanto para llevar este proyecto a cabo, pues el estudio la consideraba que espantaba a las grandes audiencias ya que ninguno de sus films era éxito de taquilla; se haya recuperado con un film que en realidad la deja tan mal parada. Una mina fuerte que termina dejándose poner en ridículo por un par de hombres que no valen la pena (como su padre y su ex marido) para terminar cambiando su alta moral por una sortija en el dedo.
Lo cierto, lo que mas bronca me da de todo es que; Tracy Lord, manda a volar a su primer marido (Cary Grant) por alcohólico y por haberla agredido; Tracy, también es inflexible con su padre que se la pasa matando el tiempo con jóvenes bailarinas de revista, mientras su madre se queda en el hogar. Lo peor es que todavía los caraduras tienen el descaro de recriminarle que ella es la que se hace la princesa y que es una hipócrita porque es demasiado perfecta para tolerar sus fallas (las de ellos).
El remedio a todo esto según el ex marido machista es exponerla y ponerla en ridículo contratando unos periodistas, molestarla durante los preparativos para su segunda e inminente boda y vengarse por haberlo echado como le echó.
Lo cierto es que no quería que regresara con tan odioso ex marido, Mike, el periodista, es el único hombre de todos los allí estúpidamente representados que tiene ángel. James Stewart ve a Tracy por lo que es (una vez que lucha contra su prejuicio ante los ricos) al ver lo vapuleada que es por su ladino Ex marido y padre. El la ve como alguien con fortaleza de espíritu e independiente, condenada a soportar las tramoyas de los hombres de su clase.
La mejor escena del film es cualquiera en donde James Stweart y Catherine comparten la pantalla; sobre todo cuando el la carga en brazos luego de una borrachera, con ambos cantando “over the rainbow” a grito pelado.
Lo cierto que ni los diálogos irónicos (algunos brillantes, otros desastrosos) ni el arte ni la fotografía son suficientes para restar lo odioso de la moral del film. No se si tuve un mal día o sentí pena por Tracy, ya que la única manera que encontró para “madurar” fue renunciar a sus principios y casarse con su primer y vengativo marido. No a Cary Grant como ex marido ladino, si a James Stewart. (en la foto Mike y Tracy o James y Kathy como más les guste)
Esto es todo por hoy amantes del septimo arte!
Movie # 63 Ancors Aweigh (1945)
Ok; esta es la ultima etapa de la primera Maratón Gene Kelly, este es mi film numero 63 pues no lo había visto antes y como siempre tengo algo para decir al respecto.
Primero que la Segunda Guerra Mundial no habia terminado todavía en 1945 cuando se estrenó este film y que todo apoyo que pudieran tener los Aliados era bien recibido; no se olviden que las guerras no solo se ganan en el frente; y nunca subestimen el poder estratégico de Casablanca.
Como era de esperarse este film presenta una visión “naive” de la “Navy” norteamericana. Gene Kelly y Frank Sinatra como los dos marineros de licencia en Hollywood. Y si la marina tiene a Gene y Frank no puede ser tan malo. Tal vez lo mas chocante sea el nene de diez años que si o si como sea quiere enlistarse en la marina, y que tiene varios uniformes a medida hablando de mensajes subliminales y adoctrinar a las generaciones futuras. (Es increíble toda la ideología detrás de cómo Joe gana su medalla, mientras le cuenta a los niños que se la ganó bailando y cantando, la realidad de la historia dice que el barco explotó y el se tiró para salvar a Frank Sinatra.) Uno se enoja con cosas así, pero lo cierto que desde Top Gun, Black Hawke down y films así se sigue incentivando a esto.
Lo genial es que pese a todo no podemos negar el arte que implicó para la época hacer bailar a Gene Kelly con todos los Cartoons de MGM incluidos Tom y Jerry, y que cualquier similitud con Mary Poppins sea mera coincidencia.
Kathryn Grayson es Blanca nieves: digo, se parece al dibujo, y canta como el dibujo; (a las pruebas me remito) y en el papel de la más que dulce “Tía Sussie” logra robarse el corazón de los muchachotes.
Este film tiene tantas cosas para mencionar pero solo diré las que mas me sorprendieron:
Primero un concierto para veinte pianos (si mal no conté) en un número que se lleva a cabo durante el film.
Segundo que Gene conquista a todos ya sea su “Pal” Frankie, su Gal Sussie y todos los pequeños niños que pasan por el film.
Tercero: no puedo borrar de mi cabeza el grupo de “actrices” descaradas que le silban al verlo pasar a Gene, porque creo que con ese trasero y ese uniforme yo actuaría igual que las descaradas esas. (Toma memorable si las hay)
Cuarto: Gracias a dios que en los 40/50/60 el “Botox” seguía siendo una toxina que te mataba si te llegabas a agarrar botulismo por ingerir comida en mal estado. Algún gerente de un estudio no hubiera dudado en proponer que Gene usara un poco, y hubiera atentado con esa cicatriz tan sexy que tiene al costado de la boca, que lo hace parecer tan caradura y atrevido cuando se ríe. Es capaz el mejor defecto de la historia del cine clásico, la segunda citacriz más bonita al costado de boca la tiene Gaspar Ulliel que parece “The devil himself “cuando se ríe de costado, Belmondo tiene una también y no se como divagé así, solo para llegar a la conclusión de ¡basta de hombres con botox! Y tipos con cirugías estéticas ¿acaso no ven que parecen de plástico y es un horror?
Quinto: se ve que para experimentar lo que se sentia ser un looser, el muchacho este Frank Sinatra hacia sus films musicales para hacerse el tipo buenazo (que nadie se lo cree, somos muchos y te conocimos bien Franky – ojos azules- Sinatra)
Sexto: Gene bailando “la cumparsita…” eso no tiene precio y descubrir un músico nuevo al que no conocía como José Iturbi (alto pianista) tampoco.
Ok; esta es la ultima etapa de la primera Maratón Gene Kelly, este es mi film numero 63 pues no lo había visto antes y como siempre tengo algo para decir al respecto.
Primero que la Segunda Guerra Mundial no habia terminado todavía en 1945 cuando se estrenó este film y que todo apoyo que pudieran tener los Aliados era bien recibido; no se olviden que las guerras no solo se ganan en el frente; y nunca subestimen el poder estratégico de Casablanca.
Como era de esperarse este film presenta una visión “naive” de la “Navy” norteamericana. Gene Kelly y Frank Sinatra como los dos marineros de licencia en Hollywood. Y si la marina tiene a Gene y Frank no puede ser tan malo. Tal vez lo mas chocante sea el nene de diez años que si o si como sea quiere enlistarse en la marina, y que tiene varios uniformes a medida hablando de mensajes subliminales y adoctrinar a las generaciones futuras. (Es increíble toda la ideología detrás de cómo Joe gana su medalla, mientras le cuenta a los niños que se la ganó bailando y cantando, la realidad de la historia dice que el barco explotó y el se tiró para salvar a Frank Sinatra.) Uno se enoja con cosas así, pero lo cierto que desde Top Gun, Black Hawke down y films así se sigue incentivando a esto.
Lo genial es que pese a todo no podemos negar el arte que implicó para la época hacer bailar a Gene Kelly con todos los Cartoons de MGM incluidos Tom y Jerry, y que cualquier similitud con Mary Poppins sea mera coincidencia.
Kathryn Grayson es Blanca nieves: digo, se parece al dibujo, y canta como el dibujo; (a las pruebas me remito) y en el papel de la más que dulce “Tía Sussie” logra robarse el corazón de los muchachotes.
Este film tiene tantas cosas para mencionar pero solo diré las que mas me sorprendieron:
Primero un concierto para veinte pianos (si mal no conté) en un número que se lleva a cabo durante el film.
Tercero: no puedo borrar de mi cabeza el grupo de “actrices” descaradas que le silban al verlo pasar a Gene, porque creo que con ese trasero y ese uniforme yo actuaría igual que las descaradas esas. (Toma memorable si las hay)
Cuarto: Gracias a dios que en los 40/50/60 el “Botox” seguía siendo una toxina que te mataba si te llegabas a agarrar botulismo por ingerir comida en mal estado. Algún gerente de un estudio no hubiera dudado en proponer que Gene usara un poco, y hubiera atentado con esa cicatriz tan sexy que tiene al costado de la boca, que lo hace parecer tan caradura y atrevido cuando se ríe. Es capaz el mejor defecto de la historia del cine clásico, la segunda citacriz más bonita al costado de boca la tiene Gaspar Ulliel que parece “The devil himself “cuando se ríe de costado, Belmondo tiene una también y no se como divagé así, solo para llegar a la conclusión de ¡basta de hombres con botox! Y tipos con cirugías estéticas ¿acaso no ven que parecen de plástico y es un horror?
Quinto: se ve que para experimentar lo que se sentia ser un looser, el muchacho este Frank Sinatra hacia sus films musicales para hacerse el tipo buenazo (que nadie se lo cree, somos muchos y te conocimos bien Franky – ojos azules- Sinatra)
Sexto: Gene bailando “la cumparsita…” eso no tiene precio y descubrir un músico nuevo al que no conocía como José Iturbi (alto pianista) tampoco.
Gene y Frank filmaron tres películas juntas, las cuales estoy consiguiendo para la próxima edición del maratón, más avanzado el año. (Calculando todos los films que tengo que ver antes).
Esto es todo por hoy mantes del septimo arte!
Gene y Frank filmaron tres películas juntas, las cuales estoy consiguiendo para la próxima edición del maratón, más avanzado el año. (Calculando todos los films que tengo que ver antes).
Esto es todo por hoy mantes del septimo arte!
Segunda Mención Honorífica: Un Americano en París (1951)
Segunda mención honorífica porque desde que compré el dvd hace un año o dos ya lo vi tantas veces como “Cantando bajo la lluvia”Sin embargo resulta que este es mi musical favorito de Gene Kelly de los que vi hasta ahora y creo que seguirá así por mucho tiempo.
Dirigido por Vicente Minelli, en 1951, cuenta con Leslie Caron, una idola a la que admiro desde que tenía siete años y veía en filmes como Lili o Daddy Long Legs ¿ven de donde viene tanta devoción por el cine clásico?
Leslie baila tan bien y aunque Cyd era la voluptuosidad hecha mujer: atlética, esbelta y con unas piernas interminables, Leslie podía ser bajita, y no tan esbelta como Cyd, pero indudablemente puede manejar el pasar desde la chica mas ingénua del planeta hasta la mas fatal con solo un cambio de atuendos, sólo que Leslie baila mejor en su estilo clásico que Cyd.
A parte de Vicente, de Leslie, de Gene, trata bueno sobre París (filmado en un estudio de la MGM) pero París al fin; y por sobre todas las cosas cuenta con una de las mejores partituras y canciones de todas las épocas del Jazz y esto es Gershwin (George and Ira):
Love is here to stay
I´ve got rithym
Y por sobre las cosas un ballet de 17 minutos (sin una sola palabra, el único film que recuerdo también con un despliegue similar fue el ballet de “The red shoes”) como cuadro final del film en donde los artistas bailan entre pinturas de Touluse Lautrec y muchas cosas indescriptibles en materia de vestuario, manejo del color, escenografías y puestas en escena que para que describirlas si todos deberian al menos verla para reconocer el arte y la maestria de Vicente, con las coreografías de Gene y la música de Gershwin pueden lograr.
El tiempo y sus siete oscars no pareció ayudar a este film de 1951, pues todos parecen deslumbrarse con “Singin in the rain” (ahora vuelvo hablar de ella como yo y no como integrante de la Nouvelle vage) “Singin in the rain” es como el musical de Gene Kelly para principiantes, lo peor es que todos lo recuerdan por un cuadro musical que ni siquiera iba a estar en el film y que fue exigencia de la MGM que pensaba que “la gente no va a entender porque le ponemos Singin in the rain si no tenemos un cuadro con esa canción”
En “Un americano en parís” Gene no sobreactúa, de hecho el registro tiene momentos bastantes lejos de la comedia, un Gene más natural pero más artístico y me arriesgo a decir en el tope del refinamiento de su arte; lo mismo se podría decir de Vicente Minelli en la dirección con la seguridad suficiente como para arriesgarse a meter 17 minutos de ballet sin un diálogo ni canción.
Yo también me deslumbré con cantando pero superada la ceguera causada por el sol uno puede descubrir que muchas veces critica/arte/mérito y oscares no van de la mano y no aseguran nada.
Nos vemos en la última etapa de esta primera maratón Gene Kelly!
Dirigido por Vicente Minelli, en 1951, cuenta con Leslie Caron, una idola a la que admiro desde que tenía siete años y veía en filmes como Lili o Daddy Long Legs ¿ven de donde viene tanta devoción por el cine clásico?
Leslie baila tan bien y aunque Cyd era la voluptuosidad hecha mujer: atlética, esbelta y con unas piernas interminables, Leslie podía ser bajita, y no tan esbelta como Cyd, pero indudablemente puede manejar el pasar desde la chica mas ingénua del planeta hasta la mas fatal con solo un cambio de atuendos, sólo que Leslie baila mejor en su estilo clásico que Cyd.
A parte de Vicente, de Leslie, de Gene, trata bueno sobre París (filmado en un estudio de la MGM) pero París al fin; y por sobre todas las cosas cuenta con una de las mejores partituras y canciones de todas las épocas del Jazz y esto es Gershwin (George and Ira):
Love is here to stay
I´ve got rithym
Y por sobre las cosas un ballet de 17 minutos (sin una sola palabra, el único film que recuerdo también con un despliegue similar fue el ballet de “The red shoes”) como cuadro final del film en donde los artistas bailan entre pinturas de Touluse Lautrec y muchas cosas indescriptibles en materia de vestuario, manejo del color, escenografías y puestas en escena que para que describirlas si todos deberian al menos verla para reconocer el arte y la maestria de Vicente, con las coreografías de Gene y la música de Gershwin pueden lograr.
El tiempo y sus siete oscars no pareció ayudar a este film de 1951, pues todos parecen deslumbrarse con “Singin in the rain” (ahora vuelvo hablar de ella como yo y no como integrante de la Nouvelle vage) “Singin in the rain” es como el musical de Gene Kelly para principiantes, lo peor es que todos lo recuerdan por un cuadro musical que ni siquiera iba a estar en el film y que fue exigencia de la MGM que pensaba que “la gente no va a entender porque le ponemos Singin in the rain si no tenemos un cuadro con esa canción”
En “Un americano en parís” Gene no sobreactúa, de hecho el registro tiene momentos bastantes lejos de la comedia, un Gene más natural pero más artístico y me arriesgo a decir en el tope del refinamiento de su arte; lo mismo se podría decir de Vicente Minelli en la dirección con la seguridad suficiente como para arriesgarse a meter 17 minutos de ballet sin un diálogo ni canción.
Yo también me deslumbré con cantando pero superada la ceguera causada por el sol uno puede descubrir que muchas veces critica/arte/mérito y oscares no van de la mano y no aseguran nada.
Nos vemos en la última etapa de esta primera maratón Gene Kelly!
Nota: (¡son como mi Satine y Christian en Moulin rouge! de los años 50!)
Movie # 62 The pirate (1948)
Siguiendo con la” primera maratón Gene Kelly”, vi este film dirigido por el gran (in)genio de Vicente Minelli, y con la actuación de Judy Garland (idola) y obviamente Gene de quién llegué a la conclusión “es como el Ken de los musicales”, lo visten de cualquier estereotipo que caiga en el momento para protagonizar el musical; en este caso de Artista de circo y Pirata.
En ese sentido, siempre recuerdo haber visto a Fred Aistaire en papeles relacionados con la danza, o el arte: bailarín, actor, cantante, o fotografo. No recuerdo que representara otros papeles que estuvieran lejanos a su realidad artística; por ejemplo nunca lo vi de pirata, aunque lo vi encarnando una especie de Marlowe (detective privado) para un cuadro musical específico en “The Band Wagon”. En ese sentido digo que Gene es como el Ken de los musicales: hizo de pintor, de actor galán de los años veinte, de viajero, de artista de circo, marinero, etc. Lo que a Fred Astaire le sobra en elegancia y clase; Gene lo tiene en descaro, comedia y acrobácias. La comparación es fácil: mientras Fred puede literalmente bailar tap hasta en el techo; Gene se la pasa saltando por superficies varias.
El pirata no es la excepción, lo vemos a Gene atravezar cuerdas flojas, terrazas, paredes. El cuadro musical para “niña” es un delirio acrobático que cuenta con unos pocos cortes (supongo que los justos para que Gene no muera en el intento, y se pueda cambiar el rollo del film).
La historia es una locura y de hecho creo que pasa a segundo plano porque resulta minúscula (divertida) aunque casi excusa para los cuadros de Gene y la genial Judy con canciones de Cole Porter incluida en él.
Es una parodia (al menos lo entiendo así) a los viejos films de piratas de Douglas Fairbanks. Macoco es el nombre del pirata en cuestión (a que por cada vez que lo nombran, yo pienso en algún trago bien caribeño con coco al que bautizaría “Macoco the pirate”). Lo cierto que nunca lo vi a Gene tan atlético (en shorts y con poca ropa se aprecia mucho más lo atlético que en verdad era) y citaré a mi ilustre amiga que resumió todo en menos palabras que yo: “A bue, no puede con su facha Gene acá”.
Vicente Minelli es uno de los directores más subestimados de esta época junto a George Cuckor y creo que ambos resultan ser mis favoritos. (¡Quien necesita a Orson wells, cuando se tiene a Vincent y George!) Vicente hizo su primer film “A cabin in the clouds” con un reparto enteramente de afro-americanos y piensen que incluso en la actualidad Warner sintió que debía lanzar el dvd con la advertencia de que era “morally incorrect at the time of its release and now.” Es decir, “Moralmente incorrecta en su tiempo y ahora.” ¿Por qué? Al menos Vincent dirigió a un reparto afro-americanos en lugar de pintarle la cara de negro a Al Jolson en “El cantante de Jazz.”.
¿A que viene todo esto si veníamos hablando tan alegremente de Gene y Judy? Tan sólo a que cinco años después de “A cabin in the Sky”, Gene Kelly debió “luchar” para conseguir la contratación de los Hermanos Gaudsmith (unos acróbatas afro-americanos) y que pese a eso, en las ciudades del sur del país, el numero en el que bailan juntos fue editado porque en el “sur” no estaba bien visto ver a Gene Kelly bailar con dos afro-americanos. La hipocresía de Estados Unidos de América, el país de la “libertad” no conoce límites, pero como siempre el cine intenta conciliar todo.
Hasta la próxima etapa de la maratón Gene Kelly!
En ese sentido, siempre recuerdo haber visto a Fred Aistaire en papeles relacionados con la danza, o el arte: bailarín, actor, cantante, o fotografo. No recuerdo que representara otros papeles que estuvieran lejanos a su realidad artística; por ejemplo nunca lo vi de pirata, aunque lo vi encarnando una especie de Marlowe (detective privado) para un cuadro musical específico en “The Band Wagon”. En ese sentido digo que Gene es como el Ken de los musicales: hizo de pintor, de actor galán de los años veinte, de viajero, de artista de circo, marinero, etc. Lo que a Fred Astaire le sobra en elegancia y clase; Gene lo tiene en descaro, comedia y acrobácias. La comparación es fácil: mientras Fred puede literalmente bailar tap hasta en el techo; Gene se la pasa saltando por superficies varias.
El pirata no es la excepción, lo vemos a Gene atravezar cuerdas flojas, terrazas, paredes. El cuadro musical para “niña” es un delirio acrobático que cuenta con unos pocos cortes (supongo que los justos para que Gene no muera en el intento, y se pueda cambiar el rollo del film).
La historia es una locura y de hecho creo que pasa a segundo plano porque resulta minúscula (divertida) aunque casi excusa para los cuadros de Gene y la genial Judy con canciones de Cole Porter incluida en él.
Es una parodia (al menos lo entiendo así) a los viejos films de piratas de Douglas Fairbanks. Macoco es el nombre del pirata en cuestión (a que por cada vez que lo nombran, yo pienso en algún trago bien caribeño con coco al que bautizaría “Macoco the pirate”). Lo cierto que nunca lo vi a Gene tan atlético (en shorts y con poca ropa se aprecia mucho más lo atlético que en verdad era) y citaré a mi ilustre amiga que resumió todo en menos palabras que yo: “A bue, no puede con su facha Gene acá”.
Como no pude con mi genio tuve que poner el ballet de Gene Pirata. Dedicado para mi ilustre amiga que delira con Gene y Judy.
Vicente Minelli es uno de los directores más subestimados de esta época junto a George Cuckor y creo que ambos resultan ser mis favoritos. (¡Quien necesita a Orson wells, cuando se tiene a Vincent y George!) Vicente hizo su primer film “A cabin in the clouds” con un reparto enteramente de afro-americanos y piensen que incluso en la actualidad Warner sintió que debía lanzar el dvd con la advertencia de que era “morally incorrect at the time of its release and now.” Es decir, “Moralmente incorrecta en su tiempo y ahora.” ¿Por qué? Al menos Vincent dirigió a un reparto afro-americanos en lugar de pintarle la cara de negro a Al Jolson en “El cantante de Jazz.”.
¿A que viene todo esto si veníamos hablando tan alegremente de Gene y Judy? Tan sólo a que cinco años después de “A cabin in the Sky”, Gene Kelly debió “luchar” para conseguir la contratación de los Hermanos Gaudsmith (unos acróbatas afro-americanos) y que pese a eso, en las ciudades del sur del país, el numero en el que bailan juntos fue editado porque en el “sur” no estaba bien visto ver a Gene Kelly bailar con dos afro-americanos. La hipocresía de Estados Unidos de América, el país de la “libertad” no conoce límites, pero como siempre el cine intenta conciliar todo.
Hasta la próxima etapa de la maratón Gene Kelly!
Primera mención honorífica: Singin in the Rain (1952)
Mención honorífica, porque se trata de un musical que vi al menos cinco veces, (sólo en los últimos dos años) y a lo largo de mi vida le sumaría otras tantas. No es un film nuevo que engrosará mi lista pero quería escribir sobre él porque hoy ejercité verlo de un modo diferente.
Desde el comienzo pretendí verlo a través de los ojos de Truffaut y los integrantes de la Nouvelle Vage; o al menos como alguien de 1952. Demasiada pretensión para alguien que no es ni actriz, pero fue lo que me propuse para tratar de dilucidar por qué este es según muchos directores y sobre todo las críticas de Truffaut y la gente Nouvelle Vage, “El mejor musical de la historia del cine”.
Lo primero que pensé fue: efectivamente es el “mejor musical de la historia del cine” porque literalmente se trata de la historia del cine. Habla del Star System, de la hipocresía de Hollywood, de los Studios, del origen del cine sonoro y también la decadencia del cine mudo. Muchos musicales se basan en la creación de un espectáculo musical, este no es la excepción, pero no muchos hablan de lo que es hacer cine y hacen un musical sobre la industria fílmica en sí, siendo el colmo de lo auto-referencial.
Esta soy yo tratando de pensar como Truffaut: Pensé en la línea del primer monólogo de Gene Kelly y yo siendo Françoise pensé que tampoco recibí esa educación privilegiada de conservatorio, de hecho todo lo que aprendí lo aprendí escapándome de mi casa, viendo films en el cine y abstrayéndome del mundo. Porque Don Lockwood dirá que aprendió viendo los espectáculos mas refinados de teatro cuando en realidad lo vemos colarse en el cine con su mejor amigo. Y pensé Don lockwood se parecía a mi cuando era chico, admirando ese maravilloso mundo que vende el cine; así que el mecanismo de identificación esta en marcha. De Don Lockwood de niño al pequeño Antoine Doinel en los 400 golpes hay unos pocos pasos.
Después están: el despliegue, la grandilocuencia, la hipocresía, las extorsiones, las salas llenas, los futuros que penden de un hilo pero por sobre todo la magia, las canciones reconocidas de la MGM, la ironía, Arthur Freed, Stanley Donnen, Cyd Charisse, Debbie Reynolds, Jean Hagen y Gene en esa gran fabrica de ilusiones que llamamos cine y que tiene el poder de atracción gravitacional de un sol para muchos de nosotros.
Nos veremos en la próxima etapa de la maratón Gene Kelly.
(Nota del Autor; este será el mejor musical de la historia del cine, pero el mejor musical de todos sigue siendo Moulin Rouge!)
Preparativos para la Primera Maratón Gene Kelly
Requerimientos de la Maratón:
Primero, una gran sonrisa, no importa lo que pase o lo que cueste siempre hay que llevar la sonrisa en la cara. Sobre todo cuando vemos una película de Gene Kelly y sobre todo si a eso le sumamos otras tres más de su filmografía.
Segundo: recordar esa cosa media perdida que creíamos en nuestra infancia remota, la habilidad de decir “Guau” y de asombrarnos con las piruetas y esfuerzos casi sobre humanos de Gene para saltar, bailar, hacer escenas de riesgo, acrobacias y aterrizar en el suelo con su gran sonrisa sus ojos picarones y su peinado intocable que no sé si estará cimentado o que pero no se altera con nada.
Tercero: provisiones, una maratón siempre extenúa el físico, sobre todo de estar sentado y ver como es Gene el que hace el gran esfuerzo.
Cuarto: Mucho espacio en el salón, porque de pronto te vas a encontrar, mientras te paras para ir a buscar más bebida, bailando al ritmo de alguna que otra canción. Y recordar que vos no sos Gene y que no importa lo fácil que se vea en verdad no lo es. A el le pagaban y a vos no y lo más probable es que te caigas y rompas algo del mobiliario con tu caída.
Y por ultimo, lo principal, tener preparadas las películas para la maratón Gene Kelly.
En esta primera parte de la maratón me acompaño una amiga que ama tanto a Gene como yo, y a cuya familia estoy agradecida por prestarnos las instalaciones para llevar a cabo dicha maratón en calidad HD y soportar a dos locas gritando cada minuto que Gene reía, salía un vestido nuevo, intentábamos dilucidar el origen de ciertos peinados y modas, o cantábamos (muy mal) las canciones del film en cuestión haciendo mímica o intento de coreografía.
Los componentes de esta primera maratón Gene Kelly serán:
Cantando Bajo La lluvía (rebautizada como Gene galán de Hollywood)
Un americano en París (También conocida como Gene Pintor)
El pirata (Gene actor de circo/pirata)
Anchors Aweigh (Gene Marinero)
Te conocí como Sarah Brown
Los otros días me encontraba mostrándole a una amiga lo maravillosa que era la película Guys and Dolls, la famosa escenita de Marlon Brando cantando para ver si se la podía ganar a Jean Simmons en una apuesta hecha con el Sr (mafioso del momento) Frank Sinatra. Y me dice, es una ídola Sarah Brown!
Tristemente se nos fue la Sra Jean Simmons hoy a la madrugada. Como todavía no nos recuperamos del golpe del Sr. Rohmer, se nos siguen esfumando los integrantes de un Hollywood (el mejor) que ya no volverá.
Tuve el placer de ver y comentar en este blog; su interpretación de Ofelía en Hamlet de 1948 y su fabulosa interpretación en Elmer Gantry (1960), pero para mi siempre será la tte. Sarah Brown, santurrona de palabra pero alocada de alma.
Esperemos que el trabajo de aquellos que se esfuerzan por mantener viva la memoría filmica, restaurando los films del Hollywood y otros cines del mundo sigan con su trabajo porque pronto todo los que no quedará de ellos seran sus imágenes en fílmico.
Farewell Jean Simmons!
Movie # 61 The Fourth Kind (2009)
Partamos de la base que desde la guerra de los mundos de Orson nada que tenga el mote de "real" es real para mi o al menos "verdadero", lo unico verdadero es que todo es una ficción.
Una vez aclarado este punto uno decide ver una película sobre encuentros más que cercanos del tipo Alien, ya cuando se vienen a tu casa a tomar el te sin previo aviso digamos. Lo interesante del film es como interactuan la "ficción" y la "ficción disfrazada de documental y basada en los relatos de gente abducida". Los díalogos pisados, la pantalla dividida; de hecho lo ficcional parece ridículo casi a lo que se planta como "caso de estudio". Si hubieran quedado en solo los casos de estudio es mas que probable que nos encontráramos con el Proyecto Blairwich o Rec de Aliens pero no fue asi.
El film tiene sus buenos sustos y fue de los mejorcitos que vi sobre el tema, (Mejor que la serie Taken que era tremenda basura ) pero nada que no haya visto antes. Lo bueno de este film es que cuenta con la siempre bella y mas que adorada (por mi) Milla Jovovich. Y este sí es una buena opcion para un viernes a la noche con amigos, a diferencia de Godard.
Lo cierto que hay algo que no se puede negar, como decía el tan parafraseado Sr. Shakespeare "Hay más cosas en el cielo y la tierra de las que tu filosofía piensa" ¿quién no tiene algun conocido que no haya avistado, una noche de estrellas, algo que le hiciera dudar lo que sus ojos veian?, yo más cercana a Mullder que a Scully digo que "I Want to believe", no se si precisamente en Ovnis o seres grises de otros planetas, solo que desde mi perspectiva la vida sería demasiado aburrida si no hubieran ciertas cosas que no se pueden explicar pero en las que creemos igual. Llamenlo Dios, Diablo, Demonio, ET, Fantasma, Poltergeist o como quieran; ser nihilista y no tener fe, es elegir el camino aburrido en esta vida. Me guardo el nihilismo solamente para no tener fe en las personas que no pueden cambiar, lo que no implica que no pueda creer en algo más, The Thruth is out there... my friends.
ALTO SPOILER..... (eso significa que no lean si no vieron la película, no digan que no se los advertí)
¿Aliens hablando sumerio? voces de ultratumba... cuerpos estrujados, ¿soy yo o no está más cercano a lo que uno suele catalogar como posesiones por demonios (yo lo defino como gente bastante loca pero que son un buen material para un film) que los Extraterrestres?
Debo admitir que salte del asiento en las dos tomas que yo considero posesion demoniaca (gracias a mi cultura en films de terror lo digo) y cercano al Exorcista.
Debería ver Actividad Paranormal para comparar....
Esto es todo por hoy amantes del Septimo arte!
Una vez aclarado este punto uno decide ver una película sobre encuentros más que cercanos del tipo Alien, ya cuando se vienen a tu casa a tomar el te sin previo aviso digamos. Lo interesante del film es como interactuan la "ficción" y la "ficción disfrazada de documental y basada en los relatos de gente abducida". Los díalogos pisados, la pantalla dividida; de hecho lo ficcional parece ridículo casi a lo que se planta como "caso de estudio". Si hubieran quedado en solo los casos de estudio es mas que probable que nos encontráramos con el Proyecto Blairwich o Rec de Aliens pero no fue asi.
El film tiene sus buenos sustos y fue de los mejorcitos que vi sobre el tema, (Mejor que la serie Taken que era tremenda basura ) pero nada que no haya visto antes. Lo bueno de este film es que cuenta con la siempre bella y mas que adorada (por mi) Milla Jovovich. Y este sí es una buena opcion para un viernes a la noche con amigos, a diferencia de Godard.
Lo cierto que hay algo que no se puede negar, como decía el tan parafraseado Sr. Shakespeare "Hay más cosas en el cielo y la tierra de las que tu filosofía piensa" ¿quién no tiene algun conocido que no haya avistado, una noche de estrellas, algo que le hiciera dudar lo que sus ojos veian?, yo más cercana a Mullder que a Scully digo que "I Want to believe", no se si precisamente en Ovnis o seres grises de otros planetas, solo que desde mi perspectiva la vida sería demasiado aburrida si no hubieran ciertas cosas que no se pueden explicar pero en las que creemos igual. Llamenlo Dios, Diablo, Demonio, ET, Fantasma, Poltergeist o como quieran; ser nihilista y no tener fe, es elegir el camino aburrido en esta vida. Me guardo el nihilismo solamente para no tener fe en las personas que no pueden cambiar, lo que no implica que no pueda creer en algo más, The Thruth is out there... my friends.
ALTO SPOILER..... (eso significa que no lean si no vieron la película, no digan que no se los advertí)
¿Aliens hablando sumerio? voces de ultratumba... cuerpos estrujados, ¿soy yo o no está más cercano a lo que uno suele catalogar como posesiones por demonios (yo lo defino como gente bastante loca pero que son un buen material para un film) que los Extraterrestres?
Debo admitir que salte del asiento en las dos tomas que yo considero posesion demoniaca (gracias a mi cultura en films de terror lo digo) y cercano al Exorcista.
Debería ver Actividad Paranormal para comparar....
Esto es todo por hoy amantes del Septimo arte!
Movie # 60 Une femme est une femme
GODARD- BELMONDO- MUSICALS- KARINA- LEGRAND- COMEDÌE- FRANÇAISE- LUBITSCH-
Creo que esas son las palabras claves para entender la cosa, y también son los títulos del film, que ocupan toda la pantalla ¿se los imginan en cine? con colores de la bandera francesa y el sonido asicrónico que dará cuenta de como será todo el resto del film. Una locura genial.
Esto viene a confirmar que Godard se adelantó como treinta años a los 60 y que debería haber sido joven hoy porque el cine que esta haciendo hoy es demasiado avant garde para la actualidad. Godard nació postmoderno cuando la modernidad se estaba llevando a cabo.
Con este film aprendí porqué Godard no es una buena elección para un viernes por la noche con los amigos, siempre y cuando tus amigos no padezcan la misma locura tuya por el cine.
Este fue su segundo largometraje luego de Sin aliento (A Bout de souffle) y sin dudas mas que diferente. Para empezar esta el color; y el uso expresivo que hace del mismo, metaforizando con los colores de la bandera francesa. Acá no recurre a la proliferación de diálogos existenciales, incluso tiene una de las mejores discusiones que vi en mi vida de gente que hace todo lo posible para no hablarse entre si.
Si "Sin aliento" era un policial negro al modo en el que la Nouvelle vage lo veia, este se trata de una comédia y voy a arriesgarme con esto; mas cercána al Slapstick comedy, no por la violencía porque no la hay, sino por la exageración y la no proliferación de díalogos, mezclado con el género musical.
A ver si me explico mejor....
Tenemos a Anna Karina en su primer film; una de las mujeres mas bellas que haya visto la pantalla grande, (por eso arranco el post con foto de ella) que no sólo cautiva la cámara sino que también a su director. Anna karina es tan Femme que tiene a todos locos (estos son Belmondo y Brialy ) y como canta en su espectaculo de Burlesque el problema es que no es mala, es que es muy bella.
Entonces, la comedía de Godard pasa por la exageracón de las acciones, sus personajes son descarados, miran a cámara, presentan sus pantomimas al espectador, hacn referecia a los demas films de la Nouvelle vage, y ni hablar citas a libros, cuadros, o músicos.
Esto es que no te vas a descostillar de risa a menos que sepas que cómo cuándo dónde y porqué (como yo que me reía sola porque Belmondo queria ver Sin aliento en la TV o le preguntaba a Jeanne Moreau como iba el rodaje de Jules et Jim.).
Entonces despues de la comedia sofisticada pasamos a lo verdaderamente innovador del film y la frutilla del postre: el manejo del sonido.
Momentos de asincronía total, momentos de desniveles de volumen, coincidentes con la subjetividad de la cámara, canciones escritas por Michele Legrand (asi como el "John Williams" de la Nouvelle vage para que se hagan la idea.) como si la cámara tuviera oidos independientes de lo que esta filmando, como si nos recordara que es Godard el que esta orquestando todo.
Esto es todo por hoy amantes del septimo arte!
Adios Sr Rohmer.
Sr. Rohmer su partida no recuerda lo poco que nos queda de poder disfrutar de Resnais, Chabrol y Godard. A los 89 y con mas de 5 décadas con el cine se nos fue otro más.
La primer película suya que vi fueron los "Amores de Astartea y Celandón" (2007) en Bafici y no podia creer la vitalidad y juventud de la misma; desde entonces quise ver mucho más.
Parece terrible que en la "era de la (des) comunicación", su noticia no haya tenido casi difusión, faleció el 10 de enero de este año y lo cierto que no pido que dejen de mencionar el terremoto y la tragedía de Hatí, sólo pido un poco de respeto para uno de los exponentes de una generación del cine comparable en arte a Picasso, a Van Gogh; una generación que está desapareciendo pero a la que se le debe tanto que Tarantino, Linklater y Gondry no le llegan a los talones
Demas esta decir que se viene ciclo homenaje a Eric Rohmer, y me despido por hoy más desencantada del mundo que antes y con una tristesa en el alma por todo lo que fue y no volverá a ser; potenciada por el hecho de que lo que hoy es no cubre el vacio dejado por la grandeza del pasado.
Adieu Eric!
La primer película suya que vi fueron los "Amores de Astartea y Celandón" (2007) en Bafici y no podia creer la vitalidad y juventud de la misma; desde entonces quise ver mucho más.
Parece terrible que en la "era de la (des) comunicación", su noticia no haya tenido casi difusión, faleció el 10 de enero de este año y lo cierto que no pido que dejen de mencionar el terremoto y la tragedía de Hatí, sólo pido un poco de respeto para uno de los exponentes de una generación del cine comparable en arte a Picasso, a Van Gogh; una generación que está desapareciendo pero a la que se le debe tanto que Tarantino, Linklater y Gondry no le llegan a los talones
Demas esta decir que se viene ciclo homenaje a Eric Rohmer, y me despido por hoy más desencantada del mundo que antes y con una tristesa en el alma por todo lo que fue y no volverá a ser; potenciada por el hecho de que lo que hoy es no cubre el vacio dejado por la grandeza del pasado.
Adieu Eric!
Movie # 59 An education (2009)
Los otros días me preguntaron si yo tenía una cierta inclinación hacia lo frances, debido a mi selección de films, y la verdad que para qué negar lo evidente: si siento debilidad por los films de la nouvelle vage, de los realizadores contemporáneos y y sus actores y actrices. A veces pienso que me encuentro con la cabeza en las nubes pensando todos los dias de mi vida en algo que tiene que ver con Francia y Paris (no hilton, la capital)
En los papeles secundarios podemos encontrar a Alfred Molina, ams que excelente como padre autoritario, y a Emma Thompson en el pequeño rol de la directora del instituto para chicas.
Ustedes dirán "nada que no haya visto antes" pero si le sumamos además de las buenísimas actuaciones, un trabajo artístico en el departamento de arte y vestuario excelente para la ambientación de los sesenta. A Rosamund Pike caracterizada cual Catherine Deneuve cuando todavía era la novia de francia con sus trajes de Givenchy, los cambios que va sufriendo la caracterización de Jenny y como durante su viaje a París separecía a la otra musa de Givenchy, Audrey Hepburn (salvando las distancias obviamente). Una musicalización excelente que va desde la chanson francesa pasando por el Jazz de salon y las obras de Ravel, y para ir cerrando que se trata de las memorias de una conocida periodista britanica, llevadas a guión por el autor de los libros de High Fidellity y About a boy... Creo que es más que obvio que nos encontramos con un material para la academia y el Sr. Oscar mientras no se les ocurra nominar a Precious bajo ese gran sentimiento de frivolidad disfrazado de caridad y acción social que guardan hacia las producciones de "aquellos no tan afortunados y bien parecidos" pero que cinematograficamente no aportan demasiado; basta de caretas y basta de Slum dog millonaire.
Esto es todo por hoy amantes del septimo arte!
¿a que viene todo esto se preguntarán ustedes? y es que justo cuando venía de una decepción tan grande con el cine independiente estadounidense en el post anterior, me encuentro con esta belleza del cine Independiente Ingles que se llama An education dirigida por la dinamarquesa Lone Scherfig.
Aunque no sea partidaria de contar las tramas diré lo que se vé en el trailer: basicamente, Jenny, tiene 16 años, muchoos pájaros en la cabeza y sobre todo un sueño: ir a francía y "vivre sa vie" como diría Godard, interpretada excelentemente por Carey Mulligan.
Se podría decir que Jenny y yo tenemos unos pájaros similares en la cabeza con respecto a París con lo que el mecanismo de identificación está en marcha, ahora bien separando las aguas del Sena -chiste- la inocente y creyente conocedora del mundo (en los libros) jennyconoce a un hombre que le dará todo lo que ella desea - Peter Sarsgaard -y ya sabemos que si uno decide en el casting sellecionar a Peter como interés romántico de nuestra protagonista, el drama está a la vuelta de la esquina. Dejando a Jenny en la dicotomía de tener una educación formal o educarse en la calle de la vida.
Ustedes dirán "nada que no haya visto antes" pero si le sumamos además de las buenísimas actuaciones, un trabajo artístico en el departamento de arte y vestuario excelente para la ambientación de los sesenta. A Rosamund Pike caracterizada cual Catherine Deneuve cuando todavía era la novia de francia con sus trajes de Givenchy, los cambios que va sufriendo la caracterización de Jenny y como durante su viaje a París separecía a la otra musa de Givenchy, Audrey Hepburn (salvando las distancias obviamente). Una musicalización excelente que va desde la chanson francesa pasando por el Jazz de salon y las obras de Ravel, y para ir cerrando que se trata de las memorias de una conocida periodista britanica, llevadas a guión por el autor de los libros de High Fidellity y About a boy... Creo que es más que obvio que nos encontramos con un material para la academia y el Sr. Oscar mientras no se les ocurra nominar a Precious bajo ese gran sentimiento de frivolidad disfrazado de caridad y acción social que guardan hacia las producciones de "aquellos no tan afortunados y bien parecidos" pero que cinematograficamente no aportan demasiado; basta de caretas y basta de Slum dog millonaire.
Esto es todo por hoy amantes del septimo arte!
Sobre los Golden Globes
No iba a escribir nada al respecto pero no pude contenerme de poner lo de siempre sobre la frivolidad y el despliegue para alimentar el ego de Hollywood y su cielo de estrellas. Pensaba eso mientras pedían por doncaciones cuando con un par de esos vestidos ya se podían cubrir cientos de miles de $.
Para mi sorpresa me enteré que el año pasado la categoría a mejor actriz en comedia se la llevo la chica de Happy- Go - Lucky, supongo que por enervar los nervios de la audiencia con su optimismo exasperante. Este año gano Meryl un must de la temporada casi; mientras yo pensaba ¿cuando le llegará el momento a Amy addams?. Pixar, tambien un must de la temporada se subió al estrado a reconocer la grandeza de Disney (por haber desembolsado sus millones en comprarlos). El que no estaba muy feliz era Georgy boy, (George Clooney) y de hecho creo que no recuerdo tantas caras de incomodidad en una misma noche.
Me sorprende que muchos sites de diarios de los respectivos paises que perdieron digan "la pelicula alemana que gano" como diciendo "la peliculita esa que le saco el lugar a "Los abrazos rotos", "La nana", "Un profeta," cuando la "películita" en cuestión es de ¡Haneke! y era hora que le dieran el Golden, después de todo tambien la rompió en cannes ¿que esperaban? (particularmente este artículo me pareció irrisorio http://www.elmartutino.cl/admin/render/noticia/21795 ).
Pos suerte perdió 500 days of summer, que descaro lo de Precious ¿no? seguro se lleva el oscar porque tiene la pinta de ser la Slumdog millonaire de este año. Lastima que perdió Quentin y ganó Cameron y Avatar . (que todavía no lo vi pero son años de lucha contra cameron por la demasiado sobrevalorada Titanic) Buenisimo que ganó Hans Landa y Sherlock, y todavía tengo que ver para creer lo de actriz dramática de Sandra por The blind Side (yo quería que gane la chiquita de An education).
Lo mejor de la noche fue el discurso de Martin Scorsese, su amor por el cine fue lo mas honesto de la noche y parecía un nene hablando de Cecile B demille y sus directores favoritos y sus films restaurados, cuando el homenaje era para él y su trayectoría. Un genio Martin! y lástima que no recibió una ovación tan espontánea como la de Jeff Bridges, porque Martin se la merecia más que nadie .
Bueno para ser que no iba a escribir nada, terminé escribiendo bastante...
Para mi sorpresa me enteré que el año pasado la categoría a mejor actriz en comedia se la llevo la chica de Happy- Go - Lucky, supongo que por enervar los nervios de la audiencia con su optimismo exasperante. Este año gano Meryl un must de la temporada casi; mientras yo pensaba ¿cuando le llegará el momento a Amy addams?. Pixar, tambien un must de la temporada se subió al estrado a reconocer la grandeza de Disney (por haber desembolsado sus millones en comprarlos). El que no estaba muy feliz era Georgy boy, (George Clooney) y de hecho creo que no recuerdo tantas caras de incomodidad en una misma noche.
Me sorprende que muchos sites de diarios de los respectivos paises que perdieron digan "la pelicula alemana que gano" como diciendo "la peliculita esa que le saco el lugar a "Los abrazos rotos", "La nana", "Un profeta," cuando la "películita" en cuestión es de ¡Haneke! y era hora que le dieran el Golden, después de todo tambien la rompió en cannes ¿que esperaban? (particularmente este artículo me pareció irrisorio http://www.elmartutino.cl/admin/render/noticia/21795 ).
Pos suerte perdió 500 days of summer, que descaro lo de Precious ¿no? seguro se lleva el oscar porque tiene la pinta de ser la Slumdog millonaire de este año. Lastima que perdió Quentin y ganó Cameron y Avatar . (que todavía no lo vi pero son años de lucha contra cameron por la demasiado sobrevalorada Titanic) Buenisimo que ganó Hans Landa y Sherlock, y todavía tengo que ver para creer lo de actriz dramática de Sandra por The blind Side (yo quería que gane la chiquita de An education).
Lo mejor de la noche fue el discurso de Martin Scorsese, su amor por el cine fue lo mas honesto de la noche y parecía un nene hablando de Cecile B demille y sus directores favoritos y sus films restaurados, cuando el homenaje era para él y su trayectoría. Un genio Martin! y lástima que no recibió una ovación tan espontánea como la de Jeff Bridges, porque Martin se la merecia más que nadie .
Bueno para ser que no iba a escribir nada, terminé escribiendo bastante...
Movie # 58 (500) days of summer (2009)
Y bueno... nada. A veces me parece que la frase "Y bueno... nada" parece resumir el significado de la post- modernidad en cine o al menos para referirse al cine contemporáneo.
Ciertamente odio la frase "y bueno... nada" y me exaspera muchísimo la gente que la usa. (Como verán me exasperan muchas cosas) Saussure y Pierce escribieron bastante sobre que signo posee un significante y un significado. Es decir, todo significa lo suficiente como para que nosotros abramos nuestras bocas y digamos "y bueno... nada" pero esa fue la frase que me sacó este film, y a desentrañar esa critica es a donde quiero llegar.
Es tan intrascendente que sería lo mismo haberla visto o no. Considerando lo recomendada y lo bastante aceptada por la crítica y el público en general que estuvo este Film (¡Si hasta le pusieron un 8 en IMDB!), tenía muchas expectativas, tanto que olvide recordar lo contraria que suelo ser a las críticas favorables.
De nuevo chica conoce chico, pero no se aman o siempre hay uno que ama más y otro que ama menos. Es sobre el destino y ser o no el indicado y bla bla bla. Lo que a nuestro protagonista le lleva 500 días en superar parece un tedio al espectador. Tres veces miré la hora; una hora del film se me hizo como hora y media de film promedio, sobre todo porque no podía creer lo idiota de un film que se cree lo suficientemente pretencioso como para citar a Truffaut y Bergman en una misma escena y creerse que va a cambiar el cine Hoolywoodense cuando en verdad es tan vacío de contenido como el cine que intenta cambiar. No tolero la actitud "arty" de un norteamericano que se escuda en el cine independiente para vender una porquería que podría haber salido de un Studio como FOX, o Warner. Sobre todo cuando su film carece de historia real, es como hacer zapping, (pero no en el buen sentido, suelo ser adepta de las estructuras alternadas), carece de diálogos o actuaciones interesantes y le sobran mínimo tres canciones que se ve debían estar para vender la banda sonora del film.
No es que no me haya gustado, es que después de tanto que tengo visto no soy lo careta suficiente como para decir OH aHH mira que original, citó el séptimo sello y persona, mientras bebo un martini y me hago la pretenciosa. Los norteamericanos “arty” no entienden a Bergman. Se que el cine independiente a dado directores impresionantes como David Linch, Linklater, Tarantino (no pongo Cronenberg porque es canadiense pero entraría) ahora, lamentablemente, sólo se ven directores que se esfuerzan demasiado y la verdad entregan cosas como esta vacías de significado. Los considero el terror de Pierce y Saussure; los directores de cine independiente norteamericano están acabando por aniquilar todo sentido dejándonos con el vago sentimiento de la nada.
"Y bueno... nada ", no es cine, no son ilusiones, no son entretenimiento, no puede generar cinéfilos y a veces me hacen arrepentirme de pertenecer esta generación del vació. ¿No me creen? ¿Piensan que exagero?
La clave esta en otra película de este blog; “The way we were” de Sydney Pollack, por nada del mundo cambiaría la frase de
-Barbra: Hubell, te conseguiste una chica adorable.
Por :
-Creo que debería decir felicitaciones
-Solo si lo sientes
-Entonces... ( se corta y pasa a otra cosa)
¿Es acaso tan vacía nuestra generación que perdió el sentido para las buenas ironías y los diálogos mordaces? ¿Somos una sucesión de citas sin-sentido que se ven lindas y no valen realmente para nada?... para pensarlo.
Y no se por qué pero esta película de Mark Webb en su pretensión y en su vacío me recordó a la canción “common people” de Pulp sobre una chica rica que pretende ser común porque piensa que es “cool” tratar de ser promedio, como quien dice aunque el mono se vista de seda…
Mark Webb y escritores: el siguiente tema va dedicado para ustedes... Como la omitieron en el soundtrack del film (aunque habría sido como anillo al dedo) se las agrego yo
You'll never live like common people,
you'll never do what common people do,
you'll never fail like common people,
you'll never watch your life slide out of view,
and dance and drink and screw,
because there's nothing else to do.
Esto es todo por hoy amantes de la pantalla grande!
Ciertamente odio la frase "y bueno... nada" y me exaspera muchísimo la gente que la usa. (Como verán me exasperan muchas cosas) Saussure y Pierce escribieron bastante sobre que signo posee un significante y un significado. Es decir, todo significa lo suficiente como para que nosotros abramos nuestras bocas y digamos "y bueno... nada" pero esa fue la frase que me sacó este film, y a desentrañar esa critica es a donde quiero llegar.
Es tan intrascendente que sería lo mismo haberla visto o no. Considerando lo recomendada y lo bastante aceptada por la crítica y el público en general que estuvo este Film (¡Si hasta le pusieron un 8 en IMDB!), tenía muchas expectativas, tanto que olvide recordar lo contraria que suelo ser a las críticas favorables.
No es que no me haya gustado, es que después de tanto que tengo visto no soy lo careta suficiente como para decir OH aHH mira que original, citó el séptimo sello y persona, mientras bebo un martini y me hago la pretenciosa. Los norteamericanos “arty” no entienden a Bergman. Se que el cine independiente a dado directores impresionantes como David Linch, Linklater, Tarantino (no pongo Cronenberg porque es canadiense pero entraría) ahora, lamentablemente, sólo se ven directores que se esfuerzan demasiado y la verdad entregan cosas como esta vacías de significado. Los considero el terror de Pierce y Saussure; los directores de cine independiente norteamericano están acabando por aniquilar todo sentido dejándonos con el vago sentimiento de la nada.
"Y bueno... nada ", no es cine, no son ilusiones, no son entretenimiento, no puede generar cinéfilos y a veces me hacen arrepentirme de pertenecer esta generación del vació. ¿No me creen? ¿Piensan que exagero?
La clave esta en otra película de este blog; “The way we were” de Sydney Pollack, por nada del mundo cambiaría la frase de
-Barbra: Hubell, te conseguiste una chica adorable.
Por :
-Creo que debería decir felicitaciones
-Solo si lo sientes
-Entonces... ( se corta y pasa a otra cosa)
¿Es acaso tan vacía nuestra generación que perdió el sentido para las buenas ironías y los diálogos mordaces? ¿Somos una sucesión de citas sin-sentido que se ven lindas y no valen realmente para nada?... para pensarlo.
Y no se por qué pero esta película de Mark Webb en su pretensión y en su vacío me recordó a la canción “common people” de Pulp sobre una chica rica que pretende ser común porque piensa que es “cool” tratar de ser promedio, como quien dice aunque el mono se vista de seda…
Mark Webb y escritores: el siguiente tema va dedicado para ustedes... Como la omitieron en el soundtrack del film (aunque habría sido como anillo al dedo) se las agrego yo
You'll never live like common people,
you'll never do what common people do,
you'll never fail like common people,
you'll never watch your life slide out of view,
and dance and drink and screw,
because there's nothing else to do.
Esto es todo por hoy amantes de la pantalla grande!
Movie # 57 Sherlock Holmes (2009)
Ahora me vengo enterar que en USA suelen llamar a este tipo de film "Bromantic" cuando uno pensaba que podía encasillar a Holmes en el género detectivesco o de aventuras se entera que cada día sale algún género nuevo donde encasillarlo.El centro de la temática en una película "Bromantic" es la historia de amor entre dos amigos que son como hermanos. (Apócope de Brother y Romantic) Pero no esperen ver Sherlock y Watson besándose por ahí (aunque mucho no falta).Ellos se odian, se pelean, se dicen y hacen cosas, se portan como nenes, pero en el fondo se aman y no pueden vivir el uno sin el otro. Todo esto pasa mientras intenta descubrir varios misterios por las calles de la Londres victoriana.
Pasemos a Sherlock, mi ahora querido y muy apuesto Sherlock gracias al estrafalario Robert Downey Jr. Debo decir que leí alguna que otra de sus aventuras y para mi sorpresa cuando todavía era una jovencita inocente fue notar que no se parecía en nada a ese reflexivo y viejo hombre con gorro en forma de pecera halada que usaba la lógica para desentrañar los misterios. Sherlock fumaba opio en su pipa, sherlock tenía días en los que no se podía levantar, Watson siempre lo encontraba tirado en el suelo en algún trance por drogas, era grosero, y subestimaba a todos. No se como Watson lo toleraba y creo que sólo Sir Arthur Conan Doyle lo odiaba mas que yo.
Ahora bien Robert Downey jr esta loco, pero yo lo sigo a todas partes desde que era una niña y lo ame por el papel en una película re melosa llamada "Only you" que todavía miro cuando la pasan cada mil años en la tv y después cuando trabajaba en una de mis series favoritas "Ally mc beal" (que para mi se terminó en el momento que se fue él o el estudio lo fue por sus escándalos con las drogas).
Un tipo que incluso se ha despertado en la cama del hijo de su vecino, creyendo que estaba en la suya por sus adicciones, que vivía mas en la luna, poseedor de un modo singular de actuar y caracterizar a sus personajes, creo que se merecía esta segunda oportunidad con la fama. Se merece a Jhonny Stark, a Sherlock, al Australiano de Thropic Thunder y es que cualquier cosa que Robert hace lo hace épico. Robert Downey jr. es Epico.
Desde el primer momento que sale en pantalla, se roba el show; y es que dejenme decirles que los misterios de Sherlok pasan a segundo plano con Robert encarnando el papel protagonico. Al espectador le divierte mas ver la complicidad con Watson y sus locuras que los misterios en si.
A ver para que esto no se mal interprete. No lo digo de babosa ni fanática loca y aunque muchos cinéfilos me van a querer golpear con la comparación que voy a hacer a continuación: es que de todo Hollywood, sólo Robert Downey (y en cierto punto también Jhonny Depp) en escena me produce la misma fascinación que Belmondo en escena, ambos tienen una manera distintiva de encarnar sus personajes y a la vez es la mezcla de ironía, humor, locura, y exageración que hace que te quedes “Sin aliento”.
Pasemos a lo que menos le importa a la audiencia promedio si el film es bueno y lo primero de lo que suele quejarse si el film en cuestión es una basura… El director. Los Fans de Guy Ritchie van a tener peleas sin camisa, a manos limpia y con cámaras ralentadas de maneras raras, cerdos, diamantes, vueltas de tuerca, y un reparto mayoritariamente masculino salvo por Irene Adler, y la prometida de Watson. Pero recuerden que no es Snatch, es Hollywood y en algunos momentos se nota que Guy temía o tal vez el estudio temía que la audiencia no entendiera las vueltas de tuerca todas juntas al final, así que más o menos cada diez minutos se suceden flashbacks con las explicaciones de lo que pasó en verdad, (o sea es como tener el final de Snacth cada 10 minutos) lo cual termina por cansar un poco y la verdad le quita emoción a la explicación del misterio de Lord Blackwood al final.La musicalización de Hans Zimmer es brillante una mezcla de violines y musica callejera vitoriana de tabernas, nos recuerda por qué desde siempre los violines se usan para representar la astucia y el elemento picaresco de algún personaje. Lo efectos visuales y la representación de época son muy buenos y por favor le pido a la gente que se queden a ver los títulos de cierre que alguien se molestó en hacer y están más que bien.
Creo que no tengo más nada que decir, al respecto salvo un detalle; ¡Tengo un bastón como el de Watson! Bueno era de mi tatara- abuelo y es cierto, se los daban a los soldados de cargos altos que se retiraban del ejercito. Mi tatara-abuelo era un capitán del ejército español según cuenta la leyenda. Lo cierto es que el bastón con estoque era bastante común en esa época y a parte de elegante era bastante letal pues la canaleta que se le hacía al filo permitía que tu “enemigo” se muera desagrado o que sea bastante imposible contener la hemorragia. Igualmente dado el estado en el que ahora se encuentra el pobre tras estar arrumbado por cualquier parte, es más probable ahora que uno se muera por el tétanos o la infección que por el filo en si.
Eso es todo por hoy amantes de la pantalla grande!
PD: ¿Qué es lo que espera Tim Burton para trabajar con Robert?
Movie # 56 What ever happen to baby jane? (1962)
¡No te creo Blanche! No te creo. Creo que te arruinaste tanto la vida con la loca esa de hermana que tenés, por algo pasaste tantos años protegiéndola. ¡No te puedo creer porque sino otra que Kimki Duk con Old boy y su trilogía de la venganza, todas juntas!
Perdón por el inicio violento del post , que no es un spoiler y que tampoco tiene mucho sentido a menos que hayan visto el film de Bette Davis y Joan Crawford “What ever happen to baby jane?”
Convaleciente y en cama como estoy no resultó muy reconfortante haber visto este film , justo cuando dependo de que me acerquen la comida a cama. Por películas así, por malvadas así, y hermanas así es que doy gracias de ser hija única. Durante casi dos horas me olvidé de los malestares que me aquejan para hacer catarsis y ponerme a sufrir por la pobre Joan Crawford ante las torturas de Bette Davis. No se como dos artistas así en escena no se arrancaron las mechas en la realidad.
Claustrofobia, psicosis, asesinatos, alucinaciones, relaciones sadomasoquistas, en una espiral de violencia creciente que desespera al espectador y que me recordó a otra pelí que ya mencioné en este blog (Lilith) cuando la psicóloga dice que de algún modo la locura resulta menos aterradora en un hombre que en una mujer. En otras palabras Norman Bates es un nene de mamá y bueno de algún modo Jane Hudson es una nena de papá. (Chiste que se entiende si uno mira ambas pelis y ve la relación de cada uno hacia sus respectivos padres).
Puedo decir que Joanlas debe haber sufrido; dicen por ahí que cuando un malo es bueno en lo que hace es doblemente malo y Bette se superó: el maquillaje diseñado por ella, los gestos, todo. (Díganme si no podría haber sido la abuelita del Joker después de verla) Su personaje esta en el título y su personaje es el que es para recordar… y temer. Sin embargo; debo decir que la actuación de Joan, como Blanche y el contrapunto que se genera entre ambas es asombroso. Sufre tanto que una quiere que el film termine ya, en otras palabras.
No se todos los detalles que tendría para describir sobre la iluminación, la puesta en escena, la elección de filmar en blanco negro que según Bette; “haría innecesariamente linda una historia triste”. Mi cabeza no da para más pero al final del film uno no deja de preguntarse ¿Qué fue lo que le pasó a Baby jane que se convirtió en ese monstruo? y ¿Qué fue lo que le sucedió a Blanche?
PD: siempre bromeo e incluso cuando me enojo tengo mi frase “yo nunca olvido nada” no puedo olvidar, tengo excelente memoria para todas las cosas excepto para nombres, calles y acordes de guitarra. Recuerdo siempre todo y tal vez en este film existan unas de las mejores y más acertadas líneas al respecto, pero que apuntan al rencor, para los que dicen por ahí que no existe nada como el rencor de una mujer:
“I won't forget. You BET I won't forget.”
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